创意思维绘画的主要特点篇1
[关键词]传统动画写意表现主义倾向
1961年第14届洛迦诺国际电影节，中国水墨动画《小蝌蚪找妈妈》被国际动画影坛关注，从此中国传统动画作品在国际动画影坛上获得很多国际荣誉。这些传统动画作品整体上呈现出的独特艺术风格，被称为动画电影中的“中国学派”。这一时期的动画作品具有独特的审美趋向，在世界动画电影艺术之林中独树一帜。中国动画之所以被成为“中国学派”，是因为在中国传统文化背景下，当初从事动画创作的艺术家们都有着深厚的美术功底，他们通过有意识地对传统艺术遗产的博收巧取及正确的借鉴与继承，中国传统动画形成了自己民族的独特艺术体系与美学品格，以丰富多彩又独具一格的民族风格样式及民族艺术手段，表现中国人的生活内容和精神状态。中国传统动画对中国绘画原理的运用，以虚代实，追求韵味和意境，整体呈现出表现主义的倾向，当然这种表现主义倾向有别于西方的表现主义，其在国际动画艺术交流中获得众多荣誉有力地证明了中国传统动画的独特性。
中国传统动画，将中国绘画艺术、中国戏曲舞台艺术等传统文化融会贯通，它们虽属不同的艺术门类，但所体现的美学思想是一致的。中国传统动画的“表现主义倾向”。趋向于绘画的“写意”艺术和戏曲的“摹情”艺术，它拉大了动画和电影的距离，有意忽略和回避了电影语言，坚持中国传统动画的特质，具有“表现主义倾向”。
西方现代艺术中的“表现主义”
“表现主义”是二十世纪初出现在德国的一种艺术思潮和流派。表现主义一词最早是由沃林格提出的，“表现主义”是被作为“印象主义”的对立形态提出的，表现主义的“由内而外”与印象主义的“由外而内”构成了两者的根本对立，表现主义是来定义那些精神内省形态的艺术家。表现主义和野兽主义一样，都主张艺术是自我精神的表现，主张作者强烈的个性，反对艺术是自然的摹仿。但与野兽主义的色彩讲究装饰性更重视个性表现性不同，表现主义在艺术手法上更重视作者主观激情的表现。
表现主义画家否认物体是眼睛所见到的客观实体，认为物体只是凭画家视觉产生的形态，所以他们认为画家的任务不是在于表现客观物体本身，而在于表现由于客观物体所引起的画家的主观激情。西方现代艺术中的表现主义绘画是画家感情爆发的表现，色彩鲜明，强烈而令人感到刺激和跳跃，线条笔触大胆奔放令人不安。
表现主义的先驱是挪威画家爱德华，蒙克(edvardmunch，1863-1944)，代表作《呐喊》，画面表现的是一个形似婴儿的小人张着口从桥上跑来，远景是滚动着的血红色波浪的落日景象，整个画面令人感到震颤和恐怖，表现了蒙克的“艺术只从人的内心产生”的思想。蒙克后来在谈及此画时说：“我和两个朋友一起走着，夕阳西沉，天空变得像血一样红，我忽然无精打采，极度疲倦地止住脚步，黝黑色的海峡和道路显示着血与火一样的光舌，朋友走着，我却一个人停在那里因不安而颤抖着，我感到了自然强烈的呐喊。”
“写意”、“摹情”与“表现主义倾向”
“写意”是中国绘画独特的艺术观，《辞源》“写意”条释为“以精练之笔勾勒物之神意，注之艺术家的主观灵魂意向”。中国绘画的写意性不是相对工笔而言的技法体系，而是在“天人合一”的传统哲学影响下，人们认识到艺术创作是主客观相统一的过程。因此不满足于对物象的描摹，企图与心灵上的进入，寻求与哲学相统一的绘画观念。
“写意”与西方现代艺术表现主义“由内而外”的自我精神表现、反对艺术对自然的摹仿本质上是一致的。表现主义强调主观表达的同时，更重视主观激情的表现，艺术手法上亦是如此。中国绘画的写意性在主观激情表达上不像表现主义绘画色彩鲜明，中国绘画寻求主客观相统一，是一种意象的表达。意象作为思维形式，是人的意志与自然形态的统一，作为审美意识，是美感形成的根源，是在人的主观意识作用自然的人化。所以中国绘画本质上具备了表现主义的气质，借用表现主义一词，中国绘画是具有“表现主义倾向”的。山水画家借山水清气，洗胸中郁浊，创作上出现苍凉空寂的意境，倪瓒的“逸笔草草，聊写胸中逸气”的思想，就是典型的“表现主义倾向”的绘画思想。
中国绘画的“写意”被戏曲表演采纳，就成为戏曲审美主客观的辨证统一，人物性和艺术情态的统一《吴光记序》中屠隆说：戏曲特征“万物皆假，戏又假中之假也”。“写意”在戏曲中称为“摹情”，“摹情”是表演不凭借生活幻觉，而是把生活概括、集中、典型化为艺术真实，强调用生活中最本质的东西感动观众。徐渭，既是画家、戏曲作家，又是理论家，他绘画上主张“借物抒情”，戏曲上把“摹·情”作为艺术创作原则。可见戏曲作为中国艺术传统同样具有“表现主义倾向”。
中国传统艺术不管是绘画，还是戏曲，都不满于纯客观的机械的模写，艺术意境不是一个单层的平面的自然的再现，而是一个境界层深的创构。从直观感相的模写，活跃生命的传达，到最高灵境的启示。
中国绘画由丰富的色相达到最高心灵境界，禅境的表现，与西方艺术中的表现主义同中也有异，这种异主要体现在：中国绘画不表达个人主义和个性，表达的是某种更广大的东西，某种观念精神，共同的体会或者是禅顿悟的瞬间，是具有宗教性和大众化的东西，表达的不是真实的个人。中国绘画所表现的最深的心灵，既不是以世界为有限的圆满的现实而崇拜模仿，也不是向一无尽的世界作无尽的追求。所表现的是一种“深沉静默地与这无限的自然，无限的太空浑然融化，体合为一”的精神，它所启示的境界是虽动而静的。这与西方现代艺术表现主义有共通的境界，但还是有很大差异性，所以我用“表现主义倾向”来概括中国艺术传统。“表现主义倾向”也将与绘画的“写意”、戏曲的“摹情”一样，成为中国传统动画的艺术观。
中国绘画艺术处理空间表现方法的问题，与中国戏曲舞台、中国传统动画场景上的空间处理方式是相通的。清初画家笪重光在《画筌》里有这样一段话：“空本难图，实景清而空景现。神无可绘，真境逼而神境生。位置相戾，有画处多属赘疣。虚实相生，无画处皆成妙境。”这说明了中国画里处理空间的方法，也让人联想到舞台艺术里的表演方式和布景问题，更叫人想起中国传统动画场景的独特空间处理风格。
中国传统动画、绘画和戏曲虽属不同的艺术门类，但所体现的“观物取象”的审美观照，“写意”、“摹情”的艺术观，“传神”的审美追求，“意向”的形象思维，“虚实相生”的手法等美学思想是一致的。中国“表现主义倾向”的传统动画作品，集中国绘画艺术、中国戏曲舞台艺术等传统艺术文化的特点，尤其是对中国绘画艺术传统的继承和发展，当初从事动画创作的艺术家们都有着深厚的美术功底，我们以前的动画片也叫做美术片，可见美术思维对中国传统动画创作的重要性。
中国传统动画在探索的道路上，继承中国艺术传统和精神、借鉴中国文化遗产、反映中国人的生活和心理、体现中国人的生活方式和思维方式，逐步形成了自己的独特风格、鲜明的艺术特色以及与众不同的艺术表现手法，即中国传统动画的“表现主义倾向”，这一“表现主义倾向”整体上有三点特征：
一、形式和内容的和谐统一
形式和内容的和谐统一，在艺术形式上追求虚实相生，以虚代实的意境和韵味，内容作为形式的有机载体，艺术想象贯穿在题材内容上。中国传统动画很多时候是一种创作者比较喜欢的艺术形式加上一个具有教育意义的内容构成的。中国传统动画对形式的追求是建立在对现实的主观假定性基础上。追求虚实相生、以虚代实的意境和韵味，内容只是形式的一个载体，艺术家的全部创作冲动集中在形式表现上。
中国传统动画对形式的重视，除了美术绘画形式，还包括表演动作形式和音乐形式，这三种形式的共同点是虚实观的表现主义手法。表演动作虚拟化和舞蹈化的形式特征，夸张的不是动作的物理属性，而是对生活化动作的精神表现，音乐形式也是民族音乐的表现主义手法。
中国绘画创作思想是所要表现的不是客观物质现实，而更多的是宗教的或社会的抽象理想。重视的是伦理道德，而不是以视知觉为基础的美学价值。中国传统动画在继承绘画这一创作思想上，故事内容上注重教育思想和抽象理想，注重主观情感的抒发，这与中国传统动画形式上意境的追求是完全融合的，中国传统动画形式上近似于书法、音乐和诗。
二、中国传统动画对潜藏于中国传统绘画中的电影元素进行开拓和发扬。
中国传统绘画本身就存在很多电影元素，由于创作者的这种美术思维的创作观念，利用美术手段有自己独特的表现手法：一是东方的宗教总是把人的命运寄托于未来世界，从来没有人高于自然的观念。重精神理想而轻客观现实，创作者从自身感受出发，将精神理想等，本不存在的物象视觉化；二是创作者从不同角度去观察事物的散点透视，将同一时间不同地点的景物融入一幅画中，东方主观与客观、时间与空间整一性的哲学，是中国传统绘画“散点透视”，也可以称为“任意透视”，赖以产生的土壤；三是立轴和长卷的形式，中国绘画没有自我为中心的焦点，不受在一个瞬间内所看到的空间有限的制约，所以画面构成不是方形或长方形，而是高耸的立轴或无尽的长卷，表现的是无可度量的时间与空间。立轴和长卷确似电影蒙太奇手法，将不同时间而同一地点或不同地点的景融于一幅长卷画面之中。中国水墨动画的镜头变化正是采用了长卷的形式，又保持了绘画本身的韵味。
三、中国传统动画重视主观感受的表现，亦希望得到观众的共鸣。
创意思维绘画的主要特点篇2
关键词:设计软件;绘画艺术创作;改写;思维方式
绘画艺术创作总在寻求一种恰当的形式语言,借以折射出特定的时代社会面貌以及画家的思想情感。随着媒体时代的到来,设计软件的出现也给绘画艺术创作寻找这种形式语言带来了可能,同时也注入了新鲜的血液,对绘画艺术创作的思维习惯产生了诸多的改变和影响,打破了艺术思维方式的藩篱,具有其他思维创作手法无法比拟的魅力,从而引发了新一轮对于审美意识和思维方式的思考。对于绘画艺术的发展也拓宽了道路,设计软件的发展正在悄然改写画家的感受方式并影响着画面效果,与绘画艺术创作并肩正朝着多元的、复杂的、全方位的、多维度的方向迈进。
已经记不清从什么时候开始流行将这些设计类软件应用到绘画艺术的思维方式中,它的到来并不是排山倒海般的侵袭,而是一点一滴的渗透,这种渗透让我们的绘画创作以更宽广的方式呈现出来,足以让我们震惊和感叹!被它们强大的功能和灵动的性格所打动,为之付诸于极大的耐心和心血,似乎一夜间发现了绘画艺术创作的新大陆,受画家们所追捧。设计软件以极其灵活的排版,丰富的特殊效果给绘画的艺术创作提供了借鉴和参考。一直以来一些画家习惯用照片进行创作,将各种照片的内容拼凑促成了画面的生成,创作的同时再加上了新的主观艺术语言,这已经是不争的事实,自认为在学西方的写实主义和新表现主义。这个问题我们姑且不谈,就来研究下软件所带来的思维转变。原有的思维方式一般在组合方式上偶然因素占据了很大的位置,有些组合效果因无法预测所以造成了一些画面效果比较单一且生硬,创作的过程中不能随心所欲地构思表现,更多的时候只能是在我们脑海中去想象,无法全面直观地看到和体会。这样的思维方式对艺术家的审美提出了很高的要求,或许让本应该可以更好的东西远离艺术的美好。现在,设计软件以其高技术支撑的特点,开启了一个完全不同的凭空想象之美的世界,运用设计软件进行画面设计构思时,通过单元形的组合排列,打散重组后寻求一种自我审美心理的满足,在这个过程中软件功能的放大缩小、前后虚实、空间拉伸、图像旋转、颜色对比等都使绘画艺术创作画面的形式感更加直观,完全可以预测到真正付诸于创作后的画面效果。
长期以来我也在不断地尝试用设计软件进行画面构图和效果的设计,带来的感受是方便、快捷且直观,最重要的是往往在传统的设计或构思画面时通过手绘一次只能得到一个设计稿,而采用设计软件后由一个文件可以迅速地演变出更多的设计画面形式和效果,这样在选择、对比的空间余地也就更大,优中选优从而保证画面的最终良好的画面视觉效果。如我入选第十届全国美术作品展览的漆画作品《立春》的画面就采用了这种构思设计方法,先将头脑中清晰意识下创作欲念中某些无意识的灵感通过联想绘制出具体的形状,并放置在Photoshop软件的各个图层中,根据画面的形式美法则重新组合排列,在这期间产生了大约十余张的画面组合构成形式,经过反复的比对筛选,最终确定了画面的构图。同时也对这个画面构图施以漆画效果般的特效化处理,以求验证头脑中那个模糊而朦胧的意识形态。在正式开始画面创作之前已经完全可以预测到画面中的某些因素的不足或者是思考出需要修正、提升效果的创作方法,将那些无用而影响画面的因素在付诸于创作之前过滤掉,整个绘画的创作完全纳入可以掌控的范围之内,头脑中的意识画面效果也在不断的排斥及调和中加以完善,注入我对画面的主观情感,最终完成了创作。当然,不可否认在这个过程中软件给我带来了意象不到的画面效果,从而引发了我更多的对无意识的一些思考和表现,甚至是没有触及的领域。将设计软件应用到绘画艺术创作过程中,在我看来就是把软件当作多功能的画笔,是一个可以即时再现创作设计的工具,也是画面创作中的一个参照物,设计软件在我的掌控下服从画面和灵感及思维方式的需要。
在绘画艺术创作中画家通常依靠自身所处特定空间里的对象进行切身感受,当利用这些设计软件创造出虚拟的、耳目一新的视觉语言时,改变了一维时间和三维空间的限制,把画家的感觉延伸到了更加微观和更加宏观的世界中,突破了原有意识中视觉感官的极限,将不同时空存在和发生的事物在设计软件所构成的虚拟的现实中随意的解构、重组所感受表达的事物。当画家面对这些对象时更多的是对有序形象的再加工和再提炼,是主观情感的升华,画面的创作过程中激发了灵感和潜意识的一些状态,而这一切是在设计软件对画面设计思维下的另一种提升和完善。也是对绘画艺术的多元化的产生发展起到了推波助澜的作用,各种形式逐一的呈现出来,更容易认定先前的创作观念所以引发和选择自己切身的感受形态,促成了画家的前瞻性、主导性、整合性下的新艺术观念的形成,加速了作品观念的碰撞、交融与合成。
另外,近些年的一些全国大型的展览中和一些画家的作品中或者是一些获奖和入选的作品中,不难发现画家消极的一面,有些艺术创作完全或刻意模仿设计软件中的效果和色彩,这时我们不禁质疑,这些还算作是绘画艺术创作吗?当然,这种情况至今我还没有找到一个近乎合理的答案。保罗•瓦莱利曾经说过:“伟大的革新将会改变艺术的全部技巧,由此必将影响到艺术创作本身,最终或许还会导致以最迷人的方式改变艺术概念本身”。如果把使用设计软件应用到绘画的艺术创作的思维中当作是革新的话,依我看来这是一种过多的依赖,画家更多的是扮演软件效果的输出工具,创作完全是被牵制的,作品中所谓的风格也完完全全是软件的风格,甚至让人联想到了欧洲文艺复兴时期形式僵死的、概念的、公式化的学院派绘画风格的教条主义。在对待这个问题上我还是想持保留的态度,认为还是应该把绘画创作回归到最初的起点和本我的观点上,客观地审视这些使用设计软件进行画面构思的绘画艺术创作。
最后,笔者认为设计软件在绘画艺术创作中的运用贵在适度,画家在深切的感受生活的同时应该合理的利用这一创作思维的新兴手段,一定会给绘画艺术效果带来新的增长点,使之具有焕然一新的感觉。这些设计软件也会随着时代技术的进步而不断的发展和变化,能够产生更多的、更唯美的视觉效果和组合方式来感染画家,不管如何的渗透到绘画艺术创作思维方式中,我们不应忘记绘画艺术应回归于自然本质,极力地去寻找绘画创作中一个又一个新的视觉形象和构成排列元素,促使绘画创作呈现多元化的态势发展。在为绘画创作提供一个新的创作思维途径时,一种释放画家个性的自由喧嚣也在上演,设计软件的一些虚幻效果在绘画艺术中得到了再现和完善,甚至得到放大或者强化,因此设计软件也将继续不断的参与绘画艺术的提炼与创作思维过程,并悄然改变着画家对于绘画艺术创作的思维方式。
创意思维绘画的主要特点篇3
一、电脑绘画概述
电脑绘画是一种在传统绘画基础上建立的新兴绘画艺术，这门课程与传统绘画最大的不同就是创作的载体不是纸而是应用电脑的手段和技巧。电脑绘画主要是通过各种不同的软件进行绘画制作的，作为常见的就是画图板、photoshop和painter等。电脑绘画相较于一般传统的绘画艺术其优点在于不仅继承了传统绘画的基本特点包括构图、造型和着色等方面，同时还具有传统绘画所不具备的优越性，在使用时更加的方便新颖和独特，并且其还有很多千变万化的效果。这在很大程度上可以发挥我们的创意与想象，将最大的创意尽可能地表现出来，使得画面变得更加充实和感人。因此，电脑绘画课程受到越来越多的同学喜爱。
二、电脑绘画培养创新思维的优势
第一，小学生由于年龄和发育等因素的限制在教学难度上会有所影响，电脑绘画中有许多较为简单易学，方便使用的绘画工具，这些工具尤其适合小学生们使用。传统的绘画课程会因其绘画种类的不同需要多种的绘画工具。例如在学习素描时就需要应用到铅笔和橡皮；国画就需要宣纸和毛笔；水彩画则需要用水彩笔等，这些绘画工具在准备时比较繁琐，同时学生对于工具的使用又难以熟练掌握。电脑绘画则可以选择一种合适的软件，例如金山画王等，这些软件最大的优点就是只需要点击鼠标即可在电脑屏幕上进行作画，并且方便保存，当有新的思路和想法时可进行修改和创造，更有利于学生的绘画创作。
第二，电脑绘画的着色方法更加新颖独特，更加有利于学生们自由发挥和创作。在传统的绘画创作中对于色彩的使用是要求学生具有一定的色彩知识的，对于初学者而言如何有效地应用色彩是具有很大难度的，这些无疑给小学生学习绘画带来了困难。电脑的绘画教学则因为软件具有方便的着色工具而使得小学生能够轻而易举地应用大量丰富的色彩。并且在绘画时还可以随时根据创作者的需要随时改变颜色。根据学生的喜好随意增加和擦去各种颜色，不会束缚学生的创造思维，尽可能地让其在色彩的世界中翱翔。从而更能激发学生的创作热情。
第三，电脑绘画相较于传统绘画有其所特有的优势，那就是电脑绘画软件具有极其丰富多彩的处理效果，这是传统绘画所不具备的。由于使用了电脑绘画软件，很多软件都具有翻转，变形，模糊，纹理等命令，这些命令会让绘画展现出各种不同的特殊效果，使得处理后的画面出现意想不到的效果，这些特殊效果往往会带来很多梦幻，充满想象的画面极具魅力，学生们的创作欲望也被大大地激发出来。
三、创新思维在电脑绘画教学中的表现
创意思维绘画的主要特点篇4
一、绘画是培养幼儿创造品质的最佳手段之一
幼儿由于年龄小，语言比较贫乏，他们更喜欢用绘画来表达思维，发展幼儿的独创性、个性。在绘画中发展幼儿的创造性首先应着重从诱发激情，培养兴趣入手。教学中我们应舍弃那些枯燥无味的填鸭式及照葫芦画瓢样的临摹式的教学方法，应让幼儿的绘画活动中充分体现趣味性、娱乐性，充分满足幼儿的求乐心里，激发幼儿的学习兴趣，如果人们习惯的把幼儿绘画看作是一种技能的训练，而忽视了对幼儿的创造性思维培养，则失去了绘画的意义，绘画有助于发展人的思维，在提高智力方面占有重要的地位，幼儿对绘画的情感、情绪具体伴随着认知的过程而不断发展的。
幼儿来到纷繁复杂的世界上，他们乐于把自己所看到的所想到的表现出来，并相互交流，他们以自己的思维方式重新组织、加工、重建生活中所见的形象，异想天开、乐趣无穷。绘画不仅发展幼儿的观察力、感受力、认知能力，还能激发幼儿自由想象的欲望，发展幼儿的创造力，启迪幼儿心智，是培养幼儿创造品质的最佳手段之一。
二、绘画教学重在启迪幼儿的创造意识
幼儿美术教学重点应是创造意识的启迪，而不是技能的培养，幼儿语言贫乏，在绘画中表达的心态和对事物的感受，远远比语言表达丰富的多，所以教师应尽量鼓励幼儿的自发艺术表现能力，强调以自我表现为主，发掘他们与生俱有的潜能，提供充足的材料和自由的空间，用新奇的媒介作为刺激和引发幼儿创造潜能的手段和工具，主张幼儿自己探索和发现。教师不应去干涉和限制幼儿绘画活动有的知觉方式和创造方式。现今社会上办的各种绘画班的教材、教法及思想上仍没有根本改变，仍以培养幼儿的技能技巧为主，发展特长，使幼儿的绘画模式化了，甚至和成人画的一样好。结果它代替了幼儿的感觉、思考与想象，使他们失去了对周围事物的敏感性，失去了绘画中天真的喜悦，失去了幼儿自己绘画语言和个性风格，最重要的扼杀了幼儿潜在的创造力和创造意识的摧毁，这种教育注定要失败。因此教育者在教学、教法及指导思想上必须转变观念，教学中应以启迪幼儿的发展思维为主，全面提高幼儿的素质，培养幼儿勇于独创、勇于尝试创新的良好个性品质。
三、培养幼儿的创造思维应遵循的教学原则
1、启发幼儿的知发性，并提供幼儿的自我表现能力，自我创造的机会。美术不同于其它的说理性科目，它要靠思想的启迪和情感的激励来唤起幼儿敞开心灵的大门。首先要让幼儿对所画的内容、形式形象有强烈的兴趣，也就是先娱目动亲情，然后才能激思励志。要用童心去想幼儿所想，用幼儿喜闻乐见的形式去满打满算他们的创作欲望。游戏是幼儿最喜爱的活动，最符合幼儿年龄特点的最生动的一种教学方式，用灵活多变丰富多彩的游戏形式让幼儿在玩中不知不觉的掌握各种知识和技能。如游戏“小小美发师”是为幼儿学习曲线设计的并让幼儿都为自己的妈妈精心设计发型。幼儿在绘画游戏中，爱妈妈的美好情感得以充分调动、想象力、创造力得以充分的发挥，并满足幼儿的求乐心理，激发了幼儿的绘画兴趣。再者，让幼儿有丰富多彩的认识和感知，幼儿对绘画的情感、情绪是伴随着认知过程而不断发展的，幼儿作画的过程是以物质活动为基础的认识的过程而不断发展的幼儿作画的过程是以物质活动为基础的认识的过程、感觉的过程、情感流露的过程，而情感的表达又是幼儿绘画的内在动力。幼儿喜欢联想，喜欢创造。例如：有的幼儿把大海画成红色，有的幼儿给皮球画上眼睛……他们从来无拘无束不分时空的给自己所画的物体注入生命情感，而作为教师要扫除幼儿创作时的一切故障，让他们勇敢的、大胆的毫无顾及的按自己的想法创作。教师更不能横加指责，更不能挖苦讽刺嘲笑，要多多鼓励幼儿的好奇心，维护幼儿的自尊心。这样才是培养幼儿创造性思维能力的重要原则。
2、教师应注意教学内容的方法性、科学性、系统性原则
首先教学内容与方法应适合幼儿动画年龄发展阶段与生理成熟阶段，还应有益于幼儿的身心健康和精神需要。有幼儿阶段教学内容要特别强调绘画的基础知识、基本技能以及创造意识的启迪和审美情趣的培养。从绘画的造型来说线由涂鸦期的知己丝线、圆弧线、曲线到垂直线、水平线、斜线；由圆型、方型、三角形到组合型；色彩也由三原色到三间色。
绘画方法以形象思维为主，指导幼儿如何思考、如何拓宽思路，让幼儿用形象思维的方法去发散、概括如：图形让幼儿在规定的时间内画出多种圆形物，并比一比看谁画的数量多而且新颖。其次还要教幼儿如何进行由彼此的联想，如何分解组合，怎样夸张、变形、创造、幻想生活中没有见过的新形象。教幼儿讲故事，看动画片后，再进行想象，学会举一反三，有知识的迁移能力，绘画的思维过程大体顺序是让幼儿通过知识先在头脑中有形象的积累，然后变为手中之物，通过技能来表达于材料之中。绘画是一种智力活动，既有思维又有表达，是一个完整的绘画创造过程。强调先教幼儿会想，再会画，这是因为思维在先，表达在后，过去的教学中只是重视技巧表达而忽视了思维训练，现在不能因强调思维训练而忽视基础的知识技能。
3、对于幼儿作品的评价应遵循客观、公平、合理的原则
对于幼儿作品的评价是一个很重要的环节。幼儿对自己创作的任何一件作品都期望得到肯定，教师在评价幼儿作品时，应转变观念，不要用培养绘画专业人才的眼光看待幼儿的作品，应注重其中表现出来的情趣想象力和创造力。而且教师要面对全体幼儿使每个幼儿都受到艺术教育，还要提高每个幼儿的基础因材施教，使每个幼儿感到其作品被其他人所认识所欣赏的快乐。从而增强了再创作的愿望，使每个幼儿在原有的基础上都得到不同的提高。
评价幼儿的作品，也是一个提高幼儿审美能力集思广益的过程，要让幼儿人人参与，积极发表看法。教师还应该把幼儿的美术作品悬挂或张贴，让幼儿互相审视、交流提供发表的机会，有时还可以让幼儿向大家介绍自己是怎样想的、怎样画的。幼儿们经过审视观摩，他们心理明白哪个小朋友的画画的新鲜有趣，哪个小朋友画画颜色搭配的好，哪个小朋友的画构图得当……通过审视品评增强了幼儿的自信自强激发了幼儿的创造愿望，这样做对幼儿的美术创作无疑起了巨大的推动作用。
四、创造性思维教学法有哪些教学特点？
1、传统的美术教学注重技能的培养和知识的灌输，忽视了创造性思维的培养，久而久之幼儿的情感受到压抑，想象力、创造力受到了摧残，培养出的幼儿思维单一，不会求异，不敢创新，幼儿早期的思维离不开形象的支持，他们需要靠直觉行动思考，同时教师要进可能的发展幼儿的感官，通过幼儿看、听、摸、闻、尝，在头脑中储存大量的表象，慢慢的依靠头脑中的表象来思维。教师的责任是不断开阔幼儿的思路，使他们的思维越发活跃，让幼儿打破时空的界限进行创造想象。创造教学法以生动实际的形象、场景、活动教具将这些创造方法交给幼儿，使幼儿的创造潜能得到充分的发挥。幼儿在结合起来连闯践中动手动脑以自己画出的画与别人不同，构思独特为自豪。
2、尊重幼儿的个性和学习特点
创造思维教学法充分发挥美术教学的全面功能。通过游戏活动以及亲身实践参与调动幼儿的学习兴趣，激发幼儿的内在学习动机，让幼儿愉快的参加学习接受教育成为学习的主人。
法国画家德拉洛瓦说：“美就是个性”，幼儿的画是通过自己对客体的观察，在自己的适应范围内形成的表象，具有自己的独特感受，不受一切“真实”的限制，鼓励幼儿的奇思妙想好奇心和探求精神、兴趣倾向，善于发现每个幼儿思维的闪光点，鼓励幼儿大胆的表达自己的想法，给他产展示自我的机会，提高幼儿的自尊心、自信心及学习的主动性，充分表现出幼儿自己的个性——即幼儿的画就是画自己的个性与性格。我们要尊重幼儿的自由，爱护幼儿的个性，注意幼儿的创作，努力从他伞兵画中了解幼儿的特殊个性与情趣。
创意思维绘画的主要特点篇5
关键词：意识形态集大成外事造化中得心源
自从绘画发展之初，就伴随着绘画创作的思考。早期先人在生活的洞窟里，在使用的器皿上进行最原始的绘画创作，这些创作可能仅仅是先人对生活的记录，对某种不可理解的自然力的表达。那时语言尚未形成，人们常以结绳来记事，这个时期的绘画更像具有具象意义的史书。纵观整个先民时期的创作构图形式，往往围绕某个生活场景展开，造型上更加符号化，抽象化，西班牙的阿尔塔米拉的洞窟画极为典型。其典型代表作就是《受伤的野牛》，用线遒劲，色彩古朴。
到了中世纪，绘画服务于宗教机构和教会宣传，宗教故事占据了绝大多数。圣经故事中的人物成了很多壁画、油画的主角。这些创作除了彰显教廷、贵族的阶级地位意识外，也是底层人民在受压迫，生活极端困苦的状态追求解脱的写照。卡拉瓦乔真正把明暗法带进了绘画，摆脱了早期绘画符号化，概括化的形式特点，追求画面的空间感、体量感使绘画发展到了新的高度。构图形式、造型安排，透视角度成了绘画中必须考虑的因素。
时展至文艺复兴，伴随着资产阶级的兴起，经济的发展导致了文化的繁荣，人们从黑暗的中世纪走出的愿望异常强烈，艺术平民化的思想开始萌芽。所谓文艺复兴，复兴的是古希腊古罗马的文明，但实际上文艺创作艺术的苏醒。这个时候出现很多优秀的大师，像达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔就是其中最为著名的。特别是达·芬奇发明和完善了透视法，空气透视的学说就是他建立的，近实远虚的空间手法让画面的空间感更强，其对于画面形式感的追求更臻于一个新的高度，就有传言达·芬奇在创作著名的《蒙娜丽莎》的时候为了能让模特微笑，就请来乐队演奏制造气氛。所以追求画面的构成感和形式感成了绘画发展的大的趋势。
十九世纪末是画画发展的又一个高峰，可谓流派众多，百花齐放。印象派的出现是个分水岭，如一股清新之风吹遍整个画坛，打破了宗教画的酱油调，和古板的造型，对现实生活真实状态的关照，甚至简至一个日出，一个草堆都可以成为画家表现的对象。也就是说画面从再现走向表现，去表现画家内心深处的情感，后期的野兽派各种表现主义就是一个个典范，蒙克的《呐喊》那份无奈、那份狰狞可能就是画家真实情感状态的写照。
以上是笔者对绘画的发展的一个概述，从中我们不难看出绘画的发展遵循了一条由抽象到具象再到抽象再到表现的主线，对于绘画发展史的研究有助于我们能够站在一定的高度来看绘画本身这种纯正的形式的东西，而不必赋予它太多政治性、说教性、文学性、历史性在其中。当然绘画不能脱离当时历史形态而单独存在。一定的绘画形式可能会受到当时主流思想的影响，从绘画艺术发展的这条主线来看早期的绘画是十分贴近生活状态本身的，它的构图、造型都是先人对生活的一种最原始的提炼和思考，有十分强烈的雅拙感，也是最让人感动的，而后来的绘画形式可能更多地把玩形式，脱离了人本身的生活体会，只是点、线和面造型的，肌理的、空间的一种堆砌。因此，笔者一直思考，如何找到分析绘画创作方法的原点的方式和切入点，从绘画艺术发展的脉络去把握可能更加准确一点。
从上面的分析我们首先得到一点，不管绘画的创作形式如何，必须立足于对生活的体会，画家自身必须找到生活瞬间的那个感动点，它或者是一个生活的场景，或者是某个媒体信息，抑或是梦里的场景。人们常说梦是人白天意识在大脑中的继续加工，弗洛伊德也曾说过梦对人性的影响是很深的。如果没有那份希冀和感动，没有画家自身的澎湃情绪的积淀，画家创作的绘画作品如何拿来感动观众。
但是光有那份情绪的感动是否就能落实到作品本身呢，笔者认为答案是否定的，画家必须还要梳理情绪感动点和响应内心之中有效意识的能力，也就是说不是任何情绪的感动就能触发创作的动机，这跟自身的经验、意识和辨析能力都有一定的关系，同时还要结合当时的政治、社会环境、不难看出在绘画史上的众多作品或多或少看到所处时代的烙印，写实作品的震撼和荡气回肠、浪漫主义的遐思和凄美，无不透露时代的信息。因此，人们会觉得个人意识和社会群体意识之间是有鸿沟的，是矛盾的，是不可融合的，马克思主义哲学的方法论告诉我们凡事都是矛盾的是两个方面，不能截然偏颇一方。画家意识形态的形成不能完全脱离时代的背景而存在，但是如果因循守旧，食古不化，却又是对绘画艺术的亵渎，就如中国明清绘画就曾出现每一笔都要找古画之出处，这种思维形式严重阻碍了绘画艺术的创新，让绘画艺术的创作停滞不前。
因此不管是什么流派，不管是学院的还是草根的，绘画创作的源头就是要有对生活的各种体验，没有感受的生活是死气沉沉的，是没有新意的，它有对周边生活细节的体味，有对社会生活，上层建筑的关照和思考。所谓“外师造化、中得心源”就是这个道理，这个造化不仅是指的自然，也是指的社会的；不仅是实物的，也是意识形态的；不仅是现代的，同时也是历史的；不仅是个人的，也是社会的。因此完全闭门造车的创作是拘谨的、局限的、乏味的。
可以这么说，如果想创作一幅有价值的绘画，画家必须要去捕捉生活的感动瞬间，要去研究当下政治、历史和社会，要以一种谨慎态度对待科学，而把这些观察、意识、经验和研究加以综合才能迸发出创作的火花，这样的创作才能具有一定深度和内涵。集大成者总会成大器。文艺复兴期间的大师达·芬奇就是个集大成者，他懂得绘画、数学、军事、历史、文学、建筑等等。他所创作的众多绘画作品流传千古。因此，绘画是一门综合的艺术，它不仅仅是技法的堆砌，虽说技法固然重要，但是那只是表达情感和理智的工具，千万不能本末倒置。
创意思维绘画的主要特点篇6
关键词：广告艺术绘画艺术创意视觉艺术平面设计
正文：
随着我国经济的持续发展，人们的生活水平在变，人们的审美观念在变，人们对生活的要求也在变。消费者对商品包装的喜新厌旧，以及对品牌的全新认识，都关系着广告设计的与时俱进。广告设计不是单求漂亮美观，最重要的是透过视觉图像来介绍产品的特点，建立和稳定它在市场的定位，最终达到提升销量的目的。一个成功的广告设计可以引领企业进入一个新的发展历程，开拓一个新的市场。因此，富有创新的广告设计并非只是一个美丽的装饰，其所包含的功能，在竞争激烈的市场上起了不可低估的作用。
广告的传播途径和表现方式多种多样，如何在五彩缤纷的广告世界里，力压群雄、脱颖而出，是每个广告制作人绞尽脑汁潜心追求的。广告作为视觉信息的传递媒介，要取得引人注目的效果，并取得瞬间获得，使消费者有过目难忘的印象，采用独特的艺术构思、强烈的色彩效果，以引起消费者的注意。本文就广告绘画艺术如何表现和传播进行粗略的浅析，就广告绘画的制作、设计原则及其表现手法进行阐述，并通过有效的传播，让人们了解广告绘画艺术的价值所在，使人们提高对艺术的鉴赏力和全民素质。
一、绘画是广告艺术中的基础。
要了解广告艺术中的绘画艺术的表现，首先要了解绘画的相关背景。绘画是一个历史久远的东西，而广告中的绘画，则相对而言是新生的事物，两者有相通之处，也有不同点。
1.绘画的定义和发展。
绘画是以色彩和线条在平面上描绘形象的美术种类。运用笔、刷、刀、手指等工具，将颜料、墨汁、油墨等有色物质，用挥洒、涂抹、拓印、腐蚀等各种手段转移描绘在纸张、纺织物、木板、皮革、墙壁或岩石等平面上，以线条、块面、色彩、明暗等造型因素，通过构图形成视觉形象的画面、图像。广告艺术中的绘画，也是其所含内容的体现，属于对传统的继承和发展。
绘画历史悠远，可上溯原始社会。迄今发现最早的作品大约是1.5万年前旧石器时代晚期西班牙的阿尔塔米拉和法国拉斯科的原始洞窟壁画，其后的遗迹在世界各地均有发现。中国新疆、内蒙古、广西、云南等地亦发现新石器时代岩画。人类几大文明发祥地最早出现的彩陶纹样，亦为绘画。古代美索不达米亚、爱琴文化的克里特岛，均出现过绘有几何或动植物纹样的原始彩陶。中国的仰韶文化与马家窑文化的彩陶出现了几何形纹、鱼、鹿、人面形甚至人形纹，为彩陶中罕见。公元前6～前5世纪希腊陶瓶则有黑绘、红绘两种式样。可见，绘画的历史相当的久远，其在当今世界的广告艺术的表现中更是显得生机昂然，前程似锦。
2.绘画的特点。
绘画的特点在于它的内容和形式上：有的重视绘画的社会功能和教化作用，要求作品表现一定的哲理、信仰、伦理道德观念等；有的则强调绘画的审美作用，以美感为最高境界，追求完美的形式技巧；在主客体关系上，有的恪守客观对象的形与质，有的则强调表现画家的主观精神。但不同的绘画，侧重各不相同，如现实的、理想的、写实的、写意的、具象的、抽象的、形似的、神似的，或神形兼备的等等。从创作方法来说，有现实主义、浪漫主义、理想主义、表现主义等主要派别。广告艺术中的绘画，运用的其各种各样的特点作为自身的表现手段，因而呈现的是琳琅满目、应接不暇的效果。
相对于其他艺术门类而言，绘画是依赖视觉在平面上感受和欣赏的造型艺术，以绘画的造型要素如形、色、光、线条等捕捉最富启发性、感染力的瞬间形象，予以提炼、升华，使之超越相对静止的时空，从而达到深广的艺术境界。广告艺术中的绘画，更加强调其鲜活的造型以及表现效果，其基本目的就是给人以深刻难忘的印象。
二、创意是广告艺术绘画的灵魂。
除非你的广告源于一个大创意，否则将如夜晚航行的船只，无人知晓。——davidogilvy
为什么要引用大卫·奥格威的这句名言，因为首先我要说一个主次先后的关系。广告与设计都是要沟通传达。如何用相对易于接受的方式来传达信息交流沟通这就是创意。创意是最重要的，你的设计最终源于你的创意才是真正的创意驱使（ideadriven）。否则你做的那些（imagedriven）只是用于装饰或者自恋表达。一旦你有了一个强有力的核心创意，接下来的工作才是如何以崭新的原创的有才情有吸引力的方式将创意化为活生生的作品。在所有的创意中间，广告绘画艺术的表现是最为重要的，因为它将直接作用于人的视觉效果，并引导人们去思考和联想。
如何来执行大创意，如何来更好的表现大创意，我们这里都来探讨一下平面广告招贴中绘画的表现手法和技巧。1.对比。
利用两种效果的图形在作品众形成强烈的反差，冲击受众的视觉。所谓效果，含义很广，比如形态上的刚柔对比，渲染的浓妆淡抹，色调上的冷暖，比例大小上的对比等等。对比应该说是增强视觉冲击力度最常用得手法，大家可以多看看人家的好作品，它们都是综合运用的结果。
例如有一种名叫“均衡酸”的新上市女性化妆品，能有效地调理女性皱纹皮肤。于是，这种化妆品广告，在绘画背景色彩上，厂家指定要印成“酸”色（浅黄色）作底色和“反白”文字。不过，这种的色彩对比，很难取得理想的效果。
2.反常。
反经验常识得表现，这样也能很好的抓住受众的眼球。将生活中的经验常识来个颠倒，这样的例子很多。比如房子原本是正立的，你将它在作品中倒立过来；还有水往低处流，你可以让它向上流淌。等等很多这样的例子，大家都可以尝试着表现。细化来说比如有些是比例大小的异常反经验，使正常比例的部分比例发生变化异常，或者使多个图形的大小比例发生变异，其实这其中也蕴含对比，只不过这是一种反常识的特殊对比。反常也能对受众产生强烈的吸引力。
3.变异。
图形由a变成b，因为是静态的主要展现的是变化中的两者结合体。或者图形的某一部分有另外一种图形形态所代替。或者在图形上添加其他的一些图形使整个形态变得怪异但很有咀嚼的余味。或者还有就是一个完整的图形经过分割打散后重新拼贴组合，形成了另外一个形态新颖和原图形差异很大的图形。这样的表现手法我都叫变异，人类的天性对变异很感兴趣记忆持久度也高。
如埃夏尔的作品《鸟变鱼》，这个作品打破了思维定势，将天上飞的小鸟经过渐变的处理手法逐渐演变为河水，而白色的天空逐渐过渡为水里的游鱼，鸟和鱼是图地反转的关系，画面自然和谐，耐人寻味。另一幅作品《瀑布》在构思上也采用了逆向思维的方法，利用透视的错觉，形成了水渠与瀑布的一整套流动过程，并在看似正常的图形中将局部加以变化，造成一个不合理的矛盾空间，仔细分析后得知这个画面是违背常规的。
4.省略。
省略那些与主题无关的部分，这样作品受干扰的就比较少。没有省略的部分就是你想要表达的承载主体，这样的表达就很纯粹很突出也很集中。而且往往省略了某些部分，留下来的那部分形成的效果又会具有变异反常的表现，使作品更有吸引力。
自1990年以来，生产nike品牌的体育用品公司不断扩展行销，以求成为国际市场最畅销的商品。近两年来，发现其配合行销所实施的广告策略之一，是简化商标。其简化过程正在逐步进行。nike品牌现行商标是在标准字体nike之下加上一句。这一句的形状像是用毛笔一挥而成，给人以浓厚之感。如今，该商标已简化为只留下那一勾，取消了nlke标准字。这一改，真可谓高度简明了。
三、绘画与文字在广告艺术中的表现效果。
在广告艺术的表现形式上，绘画的地位和比重在不断地上升，在传统的文字说明方式则在明显地弱化，甚至在某些广告中已经看不到文字的身影，仿佛它已经功成身退似的。先不去关以文字为主题的广告形式是不是会灭绝，但有一点能够肯定，那就是绘画在广告艺术中的价值和比重在不断增加，其已经成了广告舞台上的主角，发挥着越来越重要的作用。
1.只有画面没有文字的广告艺术形式的产生。
谁都明了，平面媒介上的商品广告，是以画面与文字引起消费大众注目的。只有文字没有画面的广告，即嫌单调，不够形象；只有画面而没有文字，又怕说明不够清楚，难以令人充分了解。
但是事情的发展并没有朝向人们所担心的方向进行。国际市场上clinque品牌的化妆品，早在20世纪90年代就连续刊出只有画面而没有任何文字的广告，包括没有标题和说明文字，堪称是一种突破性的新演变。过去，该品牌的每则广告，介绍一种产品都有明显的标题、画面和详细的说明文字，例如1992年10月间所刊出的一则广告，以everyface，everyday为标题，并有说明文字编列在画面的下端。画面上的粉状化妆品表现得很逼真，包装上所注明的品牌名称标准字也十分清晰。而且这种平面广告表现形式已流行数十年，其间只有大同小异的变化，它说明文字有时撰写得多些，有时则少些等等。但自1993年下半年起，忽见刊出的广告只有画面而没有任何文字。初时很多人以为这是偶然的表现，后来又见一则则地刊出，才发现这已是一种有计划的表现手法，显得很不一般。
2.怎样利用画面来吸引消费者。
有许多广告是通过文字告知消费大众的，但这不是个好方法。最理想的方法是利用广告画面告知消费大众，其效用会大得多。然而，为了使广告画面逼真，需要邀请消费者（或演员）作使用商品的实际示范，还要经过企划、导演、摄影、制作等过程，才能让消费大众从广告上了解得一清二楚。
消费大众了解了新商品的使用方法，就等于了解购买这种新商品对自己有什么好处，从而引起购买欲望，产生购买行动。反之，如果广告中所表现的使用方法，不能让消费大众完全了解，其广告效用也就无从充分发挥了。关于这一点，企划、导演、摄影、制作等方面的负贡人，要绝对站在消费大众的立场上认真对待才行。
利用画面指导消费大众用好商品，往往要从小处着眼。例如一则法国的烤鹅肝广告，画面上有切开的烤鹅肝和面包，面包上还插着一把刀。这把刀显然是使用者顺手插上去的。对这把刀作这样的处理很巧妙，既令人感到安全、方便，又能给人感到这是一种智慧。这就是“加强指导”的一招。看懂了这一招的广告人，相信必能有所启发，在各种广告上构想出多种具有智慧的指导消费大众使用商品的好方法。虽然切烤鹅肝和面包的刀并不是这则广告的主角，但仍具有“指导使用”的智慧。值得提出，这刀在一次用餐中往往要使用多次，而每次用后该如何放置好呢？此图指导人们顺手将力插在面包上，确实能起到配合广告主题、引起消费大众注目的作用。
3.以绘画为主体的广告的特点及成因。
本人收集到这种广告资料近20则。这种只有画面的广告有两个特点：一是产品的品质好，二是包装外观设计漂亮、逼真，品牌标准字十分清晰。
“有画面亦有文字”的广告与“只有画面而免掉文字”的广告，在国际市场上轮流刊出，相辅相成，显示出广告主对这两种广告部同样重视。上面研究clinque品牌广告这种新演变的主因，显然是为了适应整个地球将变为“地球村”而作行销上的应变准备，克服“地球村”中所有国家和民族间的文字障碍，令大家都能认识这个品牌，并产生良好的印象，以减少销售方面的阻力。
四、如何更好得发挥绘画在广告艺术中的作用。
1.表现形式和色彩的把握。
首先，它还是一个以静态为主体表现的广告形式，虽然近来有其它综合表现形式如：多层次立体、背景灯光效果、投叠、金属镶嵌等等，但都还是属于锦上添花，特效技巧表现一类。但是，已经体现也一个倾向——传统广告形式逐渐向多媒体广告形式过渡。
其次，作为该表现形式的视觉需要，在设计广告时需要考虑其存在空间：观察空间和交流空间。也就是说在画面以外，和观者之间的距离空间都是你需要去思考的。在传统的平面设计师的口头传说中有一个“大七之数”，是说以你的作品最大边长乘以7得到的距离，是你作品的观察距离。也就是说在7倍距离以外，你的作品能抓住观众的眼睛，使观察距离从7x变为≤1x，这就是你的专业水平体现了。
那么，如何来把距离拉近？在数倍距离之外怎么把观者吸引过来？
中国美术中有句熟语叫做：“远看颜色近看花”，道出了在广告设计中的关要先后问题。你必须在色彩上有出色表现，才能抓住观者去仔细看你在耍什么花样。色彩的魅力是无限的，它可以让本身很平淡无味的东西，瞬间就能变得漂亮、美丽起来。信息时代的快速到来，广告早就变的多姿多彩。人们不再局限于简单的文字与图片，他们要求广告看上去漂亮，舒适。所以当代设计者不仅要掌握基本的广告制作技术，还需要掌握广告的风格，配色等设计艺术。其中色彩在广告的绘画占据相当重要的地位。
2.视觉艺术思维的把握。
在广告绘画的视觉艺术思维中，如果只是顺着某一思路思考，往往找不到最佳的感觉而始终不能进人最好的创作状态。这时可以让思维向左右发散，或作逆向推理，有时能得到意外的收获，从而促成视觉艺术思维的完善和创作的成功。
这种情况在艺术创作中非常普遍。达·芬奇创作《最后的晚餐》时，出卖基督的叛徒犹太的形象一直没有合适的构思。他循着正常的思路苦思冥想，始终没有找到理想的犹太原型。直到一天修道院院长前来警告画家，再不动手画就要扣他的酬金。达·芬奇本来就对这个院长的贪婪和丑恶感到憎恶，此刻看到他，达·芬奇转念一想何不以他作为犹大的原型呢？于是他立即动笔把修道院院长画了下来，使这幅不朽名作中每个人都具有准确而鲜明的形象。在一定的情况下，侧向思维能够起到拓宽和启发创作思路的重要作用。
在平面设计中，逆向思维是常用的训练方法之一。从古今中外服装艺术的发展历程中我们可以看出，时装流行的走向常常受到逆向思维的影响。当某一风格广为流行时，与之相反的风格即要兴起了。如在某一时期或某种环境下，人们追求装饰华丽、造型夸张的眼饰装扮，以豪华绮丽的风格满足自己的审美心理。当这种风格充斥大街小巷时，人们又开始进行反思，从简约、朴实中体验一种清新的境界，进而形成新的流行风格。现代众多有创新意识的服装设计师在自己的创作理念上，往往运用逆向思维的方法进行艺术创作。“多一只眼睛看世界”，打破常规，向你所接触的事物的相反方向看一看，遇事反过来想一想，在侧向——逆向——顺向之间多找些原因，多问些为什么，多几个反复，就会多一些创作思路。在艺术创作过程中，运用逆向思维方法，在人们的正常创意范畴之外反其道而行之，有时能够起到出奇制胜的独特艺术效果。
古希腊神殿中有一个可以同时向两面观看的两面神。无独有偶，我们中国的罗汉堂里也有个半个脸笑、半个脸哭的济公和尚。人们从这种形象中引申出“两面神思维”方法。依照辩证统一的规律，我们进行视觉艺术思维时，可以在常规思路的基础上作一逆向型的思维，将两种相反的事物结合起来，从中找出规律。也可以按照对立统一的原理，置换主客观条件，使视觉艺术思维达到特殊的效果。
五、文化在广告艺术绘画中的作用。
1.广告艺术中的绘画离不开文化。
文化是广告设计创新的基础，只有建立在文化基础上才有市场。我们在广告艺术的绘画方面也要强调文化，是为了使视觉语言更富有情感，更富有内涵，更使人通俗易懂，更富有个性。如凤凰卫视中文台的台标，借用了传统的龙凤图形，并使用了中国特有的“喜相逢”的结构形式，反映出一种厚实的文化底蕴，而凤鸟两两相对圆转的翅膀极富动感，体现了现代传媒的特色。北京2008奥运会申奥的标志设计同样容入了古老中华民族书法和武术文化的内涵。
广告设计作为企业文化的一部分，既有实用性，又有艺术性。广告设计的创新离不开民俗性和民族性。我们谈广告艺术创新是建立在身后悠久的民族文化历史上创新。香港设计师陈幼坚的成功就在于根植于民族文化，把握住中华民族的文化精髓。在设计创新中，有民族性的往往体现包装个性的与众不同，又有明显的地域性特色。“阿诗马”和“希尔顿”包装上的广告主体图案都带有明显的地域，民俗特色；法国的“白兰地”和中国的“茅台”在包装上广告同样具有明显的民族特色；同样中国的“健力宝”和美国的“可口可乐”也有异曲同工之妙。
2.广告设计的创新是国家民族特点的传承和发展。
每个民族都有自身的特点：美国人的奢侈、豪放、创新；英国人的古典、保守、华贵；日本人的精明、儒雅；德国人的沉稳、含蓄、严谨；法国人的浪漫以及意大利人的富于想象，都可以一览无余。我们中华民族的文化渊源是不能掩盖的，凡是民族的，才是世界的。紧紧抓住民族文化地域特色，在广告设计中巧妙地运用，并在运用所表达主题的内在联系中，注意产品的包装和设计的创新。我们民族的传统的设计符号，总会有一些恒长的主题，如龙、凤、狮子、云纹、雷纹、涡纹等，而它们的表现形式，也就是它们的造型方式，却随着每个历史朝代的更替转变，往往具有鲜明的时代特色和民族地域特点。如传统图案中的龙的形象，朝朝有区别，代代有变化。原始龙的古拙，奴隶社会青铜器上夔龙的诡秘肃穆，汉魏龙的奔腾飘逸，隋唐龙的饱满富丽，两宋龙的规范庄严，元代龙的矫健，明清龙的繁缛凝重。这种“形”的延伸是民族母题的继承和延伸，也是包装设计创新的民族土壤，是新的时代的新的审美观念赋予的新的形式。在广告的绘画技巧的表现中，对中国传统文化的把握也是相当必要的。
六、结束语：
我们都知道，广告设计不单纯为满足消费者的基本消费传达商品信息，而更多的是进入消费者的潜在意识。主要目标应是去迎合市场，迎合人们的审美观念和消费者心理。设计师必须走进市场，了解市场，熟悉市场，把握市场的脉络，从市场中找到设计的新亮点，找到设计创新的艺术语言，这样的广告设计作品必然紧随市场，适应市场的要求。广告设计的创新应根植于民族的土壤，同时，广告设计的创新离不开民俗性和民族性。我们谈广告创新是建立在身后悠久的民族文化历史上创新。广告设计中的绘画的表达，更要如此。
绘画的发展不能离开对视觉形象表达语言的探索。不断提高对绘画语言构成元素的敏感，不断深入到构成绘画语言元素的内部，发掘它们所具有的表现潜力，是必须的。绘画语言的神奇寓于形式构成的细微之处，它远离物象独自形成一个孤立的体系。而广告，是一门艺术，广告绘画更是一种巧妙的绘图艺术，广告绘图使广告更赋灵性，更加传神。广告渗透人们生活的点点滴滴，人们已经越来越正视广告这门艺术，而且足够重视广告在人们生活中的重要地位。通过有效的传播手段，使人们对广告艺术有更加深入的理解。
参考文献：
[1]大卫·奥格威，《一个广告人的自白》，中国物价出版社，2003年
[2]乔治·路易斯，《广告的艺术》，海南出版社，1999年
[3]卫·奥格威，《奥格威谈广告》，内蒙古人民出版社，2000年
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